> Portada > Expresiones

Crítica teatral
Sara Joffré y algunas voces jóvenes

Notas sobre el II Encuentro Internacional de Maestros y Escuelas de Teatro. Ecuador

La crítica teatral es una tarea ardua, a veces no comprendida e incluso, juzgada acremente, sobretodo cuando desentraña las debilidades de una puesta teatral o destaca sus incoherencias. Algunos llegan a decir que los críticos teatrales son directores o actores frustrados, que expresan en las críticas a otros sus propias carencias. Sin embargo, en lo que muchos coinciden, es en que es necesaria su existencia. En el Perú, lamentablemente, no hay una tradición ni escuela que forme críticos(as) teatrales. No obstante, todo ello no ha desalentado a personas como la incansable Sara Joffré.

Dramaturga, directora, actriz y crítica, Sara es una persistente impulsora del quehacer teatral en el Perú que ha cumplido muchos roles dentro y fuera del escenario. Sus aportes al teatro en el Perú se inician hace más de cuatro décadas. Es fundadora de Homero Teatro de Grillos (1963), de la Muestra Nacional de teatro (1974) y de la Muestra de Teatro Universitario (1986). Vallejiana, Brechtiana y por sobre todo teatrista como suele decir. Sara realiza crítica teatral desde 1985.

Sara Joffré fue invitada a desarrollar un taller de crítica teatral en el II Encuentro Internacional de Maestros y Escuelas De Teatro, que se realizó desde el 27 de marzo al 2 de abril de 2005 en Ecuador. Ella, muy gentilmente, nos envió dos de sus reportes. El primero de ellos, nos habla de la razón y los motivos para desarrollar el mencionado taller. El segundo, expone los resultados del taller a través de las críticas a las puestas de teatro realizadas por los participantes, la mayoría de ellos jóvenes estudiantes vinculados al teatro de diversas formas. Se incluyen también algunas críticas de Sara. La nota se cierra con las reflexiones de Alberto García Crespo, Presidente de la Fundación Teatro Juares, Universidad Experimental Simón Rodríguez de Venezuela. Este último propone algunas sugerencias para las puestas y directores de teatro que participaron en el Encuentro, además de presentar su “respectiva” crítica y reivindicar la utilidad de la crítica teatral.

Sara nos comentó que este evento se repetirá en el año 2006, y que los (as) interesados (as) pueden comunicarse con Jorge Mateus al e-mail que indica en su articulo.

La Crítica en el Teatro

Sara Joffré
sarajoffre@yahoo.es

Para los amigos puristas empezaré diciendo que yo no nací haciendo crítica teatral. Muy temprano en mi vida más bien me inicié en el otro lado de la crítica, en ese lado de los que hacen posible el teatro, es decir, actuando.

El actor -es un capricho mío ponderar esto- es en el ejercicio del teatro, la pieza más importante. Que en la mayor parte de los casos no actúa por su cuenta, ya ese es otro cantar, pero los que sudan el teatro son los actores.

Hecho este deslinde con el sólo propósito de resaltar cómo al ingresar a realizar la crítica de los espectáculos teatrales, ante todo y por todo coloco la palabra ¡cuidado!

Sí, porque esa palabra es útil, es utilísimo tenerla en cuenta.

Y si no fuese porque en líneas generales son los propios actores los que más acuciosamente demandan: ¿qué dices? ¿Qué te pareció? ¡Mándame un palo nomás!, muchas veces uno no tendría el valor de criticarlos.

Especialmente uno se arredra ante esos trabajos tan esforzados, llenos de ansiedades y perspectivas; pero que realmente a la luz de quien tiene que sufrirlos desde la platea, no pueden comentarse sin expresar lo pesados que son.

Todas estas reflexiones me vienen a la memoria, y a la computadora, porque voy a asistir a un evento para hablar específicamente sobre “La crítica en el Teatro”. Dado que además mi querido amigo, colega y compañero de aventuras teatrales, el generoso hidalgo don Arturo Quispe Lázaro, peruano como yo, me invitó a escribir el presente artículo para la página que él dirige www.interculturalidad.org , he querido compartir con ustedes este adelanto de mi tema. Asimismo quiero abrir un pequeño paréntesis para informarles acerca del evento en sí.

La Escuela de Teatro de la Universidad Central del Ecuador ha organizado el II Encuentro Internacional de Maestros y Escuelas de Teatro, que se realizará del 27 de marzo al 2 de abril 2005. Para mayor información sobre este particular, se pueden comunicar al mail: jordi_28@hotmail.com , Licenciado Jorge Mateus Director de la Escuela.

Pues bien, retomo mi tema central.

Revisando el maravilloso Google y otros buscadores afines, cuya cercanía nos la da este medio llamado Internet, quería oír un poco qué decían los colegas de habla castellana sobre la crítica teatral. Sobretodo ahora, en esta época, en la que todo vale y va pareciendo imposible criticar, porque a la luz de los acontecimientos, lo único verdaderamente criticable es criticar. Así me encontré con los comentarios de César Paz (Nicaragua); Patricia Henríquez Puentes (Chile); Juan Manuel Martins. (Colombia). También, intenté pedir ayuda a la Real Escuela Superior de Arte Dramático (Madrid) y recibí una amable respuesta de un profesor que me decía que no hay cursos a distancia sobre crítica.

Esta pequeñísima investigación me dejó con la tristeza siempre repetida de que los latinoamericanos, aprovechando el uso común del idioma, no tengamos una revista, un periódico que nos reúna para algo tan específico y necesario como la discusión crítica.
Viajando en el tiempo, hacia atrás, encontré que nosotros, los peruanos, tuvimos en la crítica un gran mentor: Juan Acha, si bien él estuvo dedicado a la crítica de arte en sí.
De su libro Crítica de Arte, Teoría y Práctica , compartiré con ustedes algunos apuntes, recomendándoles su búsqueda, pues si tienen en mente saber más sobre el tema de la crítica, este libro es sencillo, útil y práctico. Fue impreso en México, adonde Juan Acha pasó una gran parte de su vida adulta, por la editorial Trillas, México, 1992.

La primera cita viene del prólogo “La falta de un método de carácter científico que sirva de fundamento para la actividad de los críticos de arte ha provocado que en nuestros países abunden, hasta el presente, ejemplos de críticas de tipo pragmático o empírico...”
Este prólogo al libro de Acha lleva la firma de Carlos Blas Galindo, y creo que estas frases iniciales son la señalización de un derrotero.

Y solamente para provocar a los interesados daré el índice del contenido.

Prólogo

Conclusiones
Bibliografía
Índice onomástico
Índice analítico

Se me podría reprochar la provocación al lector al presentarle los títulos sin que pueda satisfacer su curiosidad. Y me gustaría recibir sus quejas, pero más que sus quejas, sus desafíos demostrándome que hay muchos libros mejores y que, sobre todo, esos libros que ustedes conocen y yo no, sí incluyen al Teatro dentro de la crítica de Arte. Me daría mucha alegría saber que hay un libro latinoamericano con las características del reseñado aquí, porque yo no he tenido la suerte de encontrarlo. Ya viajando otro poquito más hacia atrás, en el tiempo y en el espacio, tengo por maestros y favoritos, dentro de la crítica teatral a tres alemanes de distintas épocas y tendencias:

Friedrich Nietsche –“El nacimiento de la Tragedia”
Walter Benjamin – “El Origen del Drama Barroco Alemán”
Bertolt Brecht – “Escritos sobre el teatro”

Si bien, ninguno de ellos fue un “crítico” de espectáculos artísticos, sus trabajos filosóficos, sus apreciaciones teóricas, y en el caso de Brecht, sus trabajos prácticos teatrales, además, constituyen las mejores guías para orientarse dentro de la elusiva disciplina que significa el arte de juzgar el trabajo artístico. Asunto este, que bien mirado y reflexionado, parece cada vez más, un imposible matemático. Filosofía pura, es la crítica, aunque la descripción del diccionario le pone como sinónimo: sátira, murmuración. ... ¿Qué les parece?

Gyorgy Lukacs, escritor, filósofo y político húngaro (1885-1971), pensador marxista, fue crítico de Brecht y tuvo interesantes apreciaciones sobre su trabajo. Theodor Adorno, fue otro filósofo que discrepó con Brecht –no sólo en lo teatral- especialmente sobre su pensamiento político. Él y Max Horkheimer, pilares fundamentales de “El Instituto o Escuela de Investigaciones Sociales de Francfort” de Alemania, trasladado al exilio norteamericano durante el régimen nazi, no fueron precisamente receptivos cuando Brecht llegó también de exiliado a EEUU, y Adorno alertó repetidamente a Benjamin contra Brecht (Cartas, volumen II, p. 676). Críticos todos ellos en sus trabajos teóricos y en la vida misma.

Nombres como los de Max Horkheimer “Arte y Cultura de Masas”, Herbert Marcase, Leo Lowenthal o Roland Barthes, son por lo menos imprescindibles en la lista de cualquier aspirante a crítico que se quiera tomar en serio su rol. Ayudan a ampliar el panorama, pero naturalmente no retiran las piedras del camino ante la prosaica tarea de poner en un cuadrado de papel de algún matutino, una revista, en fin un espacio cualquiera que acerque la opinión del que aprecia a quienes son apreciados.

Y aquí vale traer a colación lo que Juan Acha apunta al inicio del segundo capítulo de su libro, ya mencionado líneas arriba, "Hay dos cuestiones la de la variedad del producto o texto y la de las relaciones sociales de su producción por parte del crítico”. En esta oración encontraríamos un punto de partida que nos llevaría suavemente a una gran discusión, tal como si viéramos unas aguas tranquilas en un claro del bosque y se nos ocurriese darnos un suave baño, y al atrevernos a avanzar nos encontramos que hay una serie de peligrosas corrientes que se mueven debajo de la calma superficie...

Pero llegó el momento pues de detenernos. Hemos esbozado unos comentarios. Qué bueno sería recibir apreciaciones CRÍTICAS porque realmente es una necesidad del Teatro que nos compete.

Taller de Critica teatral: Resultados

Los comentarios críticos que ustedes van a encontrar a continuación tienen la ventaja de ser absolutamente “puros”. Quiénes escriben dichos comentarios son en su mayoría jóvenes, apasionados y, por sobre todas las cosas, amantes incondicionales del teatro. Ellos fueron parte del Taller de Crítica que me fue encargado por Jorge Mateus.

En nuestro Taller tuvimos en total 12 intensas horas de reunión y les pedí que me ayuden con la crítica, como vi que además de fieles alumnos tomaban el hacer los comentarios como un honor y un compromiso serio, decidí pedirles que me acompañaran en la responsabilidad. En algunos casos, por la utilidad, a nuestro juicio, de establecer contrastes, hemos publicado dos críticas de un mismo espectáculo.

Aquí tenemos los resultados:

CLOWNSSISCOS - BRASIL
Teatro: Escola de Porto Alegre
Dirección: Daniela Carmona, creación colectiva

La obra Clownssiscos es un recorrido por las principales etapas históricas del teatro desde la perspectiva clown. Un grupo de actores y músicos, dan vida a los fragmentos más representativos de obras teatrales desde la antigua Grecia, pasando por Shakespeare, clásicos españoles, montajes de Stanislavsky y su famosa cuarta pared, hasta los dramas contemporáneos; manejados con una visión elegantemente cómica. La barrera del idioma es rota debido a que el montaje se basa en la claridad de las acciones físicas más que en los textos, por lo que la pieza se torna fácilmente comprensible. Los actores dan cuenta de una gran preparación física que se acopla muy bien dentro del montaje espectacular, resultando una obra muy entretenida y de gran calidad.

CLOWNSSISCOS - BRASIL
Teatro: Escola de Porto Alegre
Dirección: Daniela Carmona, creación colectiva

¿Quién sabe más de música, canción, batucada, que Brasil? Bueno tal vez exagero, pero este grupo de Clowns sí es música, movimiento y color. Eficiencia en el manejo del cuerpo, pericia en la manipulación de objetos. Seguridad en el trapecio. Pueden trabajar en la sala o en la plazuela. Adonde tengan que ir.

El contenido de lo que quieren exactamente expresar me fue absolutamente incomprensible. Es muy probable que a ellos eso no vaya a importarles mucho. Al final nos muestran hasta sus más personales símbolos, tales como “las rayas” que habitualmente todos guardamos a la vista de los otros. Si no hemos entendido los por qué y para qué, ¿el problema es mío, y también el de usted?

Seguros y su Doble - PERÚ
Grupo Cuer2
Dirección y Dramaturgia: Roberto Sánchez-Piérola
Actores: Hernán Olaechea y José Luis Arteaga

“¿Tengo que cambiar para que me quieran?”
Es uno de los dilemas más profundos de los personajes de ésta obra.
“Que se vea lo que yo hago, que se escuche lo que yo digo; eso es lo que soy”.

Con estas frases continúan las divagaciones de dos seres atemporales que se encuentran perdidos en una especie de limbo existencial tratando de descubrir...de descubrirse; o de encontrar...de encontrarse en un juego de máscaras, para llegar a conocer las razones de su “autoexistencia”. Tratar de encontrar una línea aristotélica en una obra que plantea precisamente romper con esos lineamientos, será imposible; de ahí el acierto de la dramaturgia que se convierte en un poema llevado a la escena teatral tan sencillo y ubicado en tantos lugares que por eso mismo puede llegar a confundir al público, el cual para entender la obra deberá apartarse de preconceptos teatrales y simplemente dejarse llevar por la creación de ambientes y situaciones ambivalentes.

En la parte técnica la obra está montada en un minimalismo preciso, los pocos elementos en escena, el vestuario, la acertada iluminación y musicalización crean los ambientes justos para la comprensión total de un rico texto poético basado en el juego de palabras. Los actores aún reflejan cierta inmadurez, pero exponen un gran potencial y deleitan con una buena expresividad corporal.

De todas formas, ¿cómo juzgar esto si son “invisibles..., o quizá sólo una “ficción”?

SEGUROS Y SU DOBLE. PERÚ
Grupo Cuer2
Dramaturgia y Dirección Roberto Sánchez Piérola

12:00 horas y unos cuantos minutos más, antes de empezar la función se podía observar en las caras y empujones del público el gran interés... ¡claro, no sabemos si era sólo por la obra anunciada o por lo casi más importante: coger un asiento y cumplir con llenar su cuaderno de apuntes! ¡Bueno, qué bien se llenó todo el espacio!

Lo malo es que cuando se inició el trabajo se pudo percibir nerviosismo y falta de energía en los actores, que, acompañados con una mala iluminación, los espacios de tiempo muy prolongados y una tramoyista muy simpática y lenta convirtieron la obra en el tren de los estáticos.
Espero que se auto evalúen para que automáticamente autoreflexionen en el vestuario, elementos escénicos, luces, auto,auto,auto,auto...perdón, etc.

Sólo queda por decir a los organizadores, participantes, críticos y a ustedes público, que nos auto animemos y auto confiemos que la próxima sea mejor.

Inagada la Vida – MÉXICO
Colegio Universitario de las Américas de Morelos
Director: Alejandro Román
Intérprete: Francisco Gutiérrez

Una de las obras de García Márquez se inicia con el suicidio de Jeremías Saint d'Amour en su cumpleaños número sesenta ya que consideraba que la vejez es una etapa por la cual el hombre no debería pasar. Contraria a esta postura está la del protagonista de la obra Indagada la Vida, quien al encontrarse en una etapa de edad avanzada y pese a sufrir un cuadro grave de Alzheimer, se resiste a perder su vida en un asilo o un manicomio; y lucha contra su enfermedad y sus hijos aferrándose a sus pocos recuerdos: su vieja máquina de escribir, su difunta esposa, amigos y su preciado departamento.

La obra es un monólogo que se sustenta en el texto y una acción naturalista que comienza con buen ritmo pero baja durante el transcurso de la representación. Se la puede considerar como una comedia de lenguaje sencillo accesible para todo público y que plantea en forma abierta dilemas como la eutanasia y el aborto. Como fortaleza se puede destacar la utilización del espacio con una escenografía justa para recrear las acciones y con una acertada iluminación que ayuda a potenciar los ambientes necesarios en la obra. Lastimosamente, la deficiente proyección vocal del actor, no permite apreciar todos los textos y hace que en ocasiones el público pierda el interés por la trama.

Inagada la Vida – MÉXICO
Colegio Universitario de las Américas de Morelos
Director: Alejandro Román
Intérprete: Francisco Gutiérrez

Un ser humano ha ido perdiendo todos los recuerdos de su vida, por lo tanto se pone en duda la existencia de este sujeto. En el escenario hay varios elementos convencionales (escritorio, silla, espejo, baúl, mesa, teléfono, etc.) que me llevaron a suponer que el hecho dramático ocurriría en una casa, departamento o algo por el estilo. Elementos escenográficos convencionales que no siempre deben tener valores naturalistas.

Comienza el espectáculo con el balbuceo de un viejo gordo que tiene como objetivo mantenerse vinculado a la vida social. Su falta de memoria provoca varios obstáculos y termina renegando de la vida. “Sin pasado, no podría haber vida”. El personaje había perdido todo, hasta la proyección de la voz, pues, yo estaba sentado aproximadamente en el centro del graderío y no lograba escuchar, perdón, “entender” lo que decía este actor-personaje, la baja proyección y la escasa dicción cumplieron su objetivo.

Los espectadores disfrutaron de la tragicomedia, ya que el montaje contaba con recursos de comedia fácil, como por ejemplo: juego de palabras, palabras soeces y una que otra situación realmente cómica en la vida de este ser. Lo rescatable del espectáculo es la intención del texto teatral: es decir, saber hasta donde un ser social puede vivir sin un pasado que lo identifique. Hasta que llegó el final con un alarido de un actor sin imágenes, sin vísceras frente a lo que le estaba aconteciendo a este personaje que reniega de la vida.

Por otro lado, utilizó un vestuario común y corriente para un ser común y corriente, el maquillaje era el indicado para un ser que no tenía ninguna intención de expresarnos su condición de vida, y la iluminación cumplía su rol fundamental: iluminar al actor. Aún me queda una duda, al inicio de la obra el personaje entra como si viniese de otra habitación del lugar, pero al final cuando suena el timbre el actor-personaje nos da la referencia de que esa misma puerta da a la calle(¿?).

Un actor más desubicado no pudo haber en este espectáculo.

HAMLET MACHINE
Escuela Superior de Arte Dramático
Autor: Heine Muller
Dirección: Carlos Acosta

Me parece interesante la propuesta que realiza el director Carlos Acosta. Se arriesga a salir del cuadro escénico y convertir al público en un actor más. Los rostros, la diferencia de las personas y sus características jugaban poéticamente con el texto y la acción del personaje. El conflicto interno de los personajes se acerca mucho a la realidad de las personas- negarse a sí mismo dentro de la ciudad- para ser uno más de la sociedad; la lucha por no pertenecer o dejarse amarrar por los prejuicios de la sociedad (hilos) es la base del juego escénico.

El trabajo actoral es muy preciso, exacto por así decirlo, la carga dramática de los personajes afecta al entorno y al público logrando un buen desarrollo escénico. El ambiente cotidiano y gris tomó un ambiente poético en el que todo aquel que estaba sumergido en dicha atmósfera se convertía en un personaje más que gritaba en silencio al transcurrir el desnudo personal y colectivo.

La Noche del Tatú
Dirección: Carlos Acosta
Escuela Superior de Arte Dramático

Trabajo para niños muy bien logrado, hay dinamismo en la composición escénica, sencilla pero muy cargada de energía. El trabajo musical es un buen recurso además de ser bien trabajado, se fusiona con propiedad con la historia, generando un ambiente en el que los personajes crecen al transcurrir de la puesta. El cuento de La noche del Tatú es una historia muy bonita, en la que se encuentra una identidad boliviana, pero muy bien adaptada a una lectura universal.

AMOR EN TINTA ROSA MEXICANO - MÉXICO
Dirección: José Luis Castilla
Autor: Juan Carlos Alcalá
Colegio de Arte Dramático Universidad de Puebla

La historia es muy ligera, no dice nada que no se sepa, las fantasías que rondan a una pareja de divorciados son del común, aunque los recursos son graciosos.

La obra se desarrolla en un ambiente fantástico y real que se ve roto cuando los personajes reales y fantásticos entran en conexión, interactúan generando un plano más en el cual sucede lo que se ha escrito o se escribe.

Todo el drama sugiere una novela televisiva mexicana, en la cual la empleada del servicio siempre termina teniendo el control de toda la historia, donde su papel ha sido el de una mujer muy popular que quiere surgir más allá dentro de la sociedad.

ENTIERROS - PERÚ
Universidad Católica del Perú
Dirección: Marisol Palacios

La muerte como premisa del silencio absoluto...
Premisa que da pie a la pieza teatral Entierros dirigida por María Soledad Palacios, e interpretada por los alumnos del 2° año de Actuación del Centro de Formación de Teatro de la Universidad Católica del Perú.

Entierros, extractos de textos de tres autores entre los que destacan: Yolanda Pallín con Los Restos de la Noche y donde actúan Tomy Párraga y Julia Thays, dúo actoral que demuestra un buen nivel en sus interpretaciones; seguidamente nos presentan como segunda escena Cámara Lenta de Eduardo Pavlosky y donde el peso actoral recae en Marco Antonio Otoya y Carlos Montalvo a quienes les faltó un poco más de fuerza y riesgo en la escena.

Y por último, un texto que rompe con el ritmo y que sigue en el mismo orden de lo trágico es el del reconocido Sergi Belbel con Morir, escenificada con una gran fuerza e impecable interpretación por las actrices Gisela Ponce de León y Andrea Van Zuiden.

En resumen, una pieza con un engranaje inteligente de las escenas donde se producen lúgubres atmósferas de amor y odio, y donde la muerte se representa como el símbolo que arrastra a esos personajes que bien podrían ser cada uno de los seres humanos que habitamos el planeta Tierra y que luego los actos y acciones que se hagan acá serán juzgados en otro plano de la Divinidad.

PERDIDOS EN LA OSCURA NOCHE- PERÚ
Autor: Plinio Marcos
Director: Jerry Galarreta
Grupo: Los Tuquitos

Pleno, me agrada saber que en el Perú también hacen teatro de compromiso, donde el ser social puede determinar las relaciones y el distanciamiento entre el teatro y su entorno. Este montaje teatral nos plantea a dos hombres con pasiones tan comunes como todos los hombres de nuestra sociedad, a uno le gusta la música y trata de sobrellevar el momento, el otro hombre (pueblerino) aspira estudiar para triunfar en la vida. Estos seres interpretados con propiedad por Enrique Aldana y Fritz Ostolaza, habitan en un espacio que apenas si cumple las funciones de un hogar.

No había sitio para un pie más en el teatro, sin embargo en el escenario había pocos elementos para el desarrollo del hecho teatral, indicativo que el actor sería eje del espectáculo. En esta pieza, apreciamos un muy necesario empleo de la iluminación, sonido, vestuario y maquillaje. Llevando esto a que el espectador se mantenga atento al trabajo actoral donde los personajes se transformaron y llegaron a cumplir su objetivo.

Muy pocas veces me he quedado espectado de pie una pieza de teatro, no había conseguido lugar, y fue por cerca de una hora, que me quedé observando una obra de teatro en la cual me he divertido y me he conmovido.

BITÁCORA DE VIAJE - ARGENTINA
Dirección y puesta en escena: Fabian Troncoso L.
Autoras: Claudia Stigol y Liliana Dozo
Grupo: Congregación Preciosas Anónimas

El Encuentro es abierto y permite la presentación de grupos diversos. No todos son pertenecientes a universidades, es decir aquellos conformados por estudiantes de diferentes especialidades pero que aman el teatro y tratan de practicarlo. Tampoco son exclusivamente escuelas de teatro que funcionan dentro o fuera de la universidad pero cuya preparación es para alcanzar un grado académico dentro del arte del teatro.

El Encuentro acoge también a compañías o colectivos profesionales de diversas clases.
Dentro de esta última variante se encuentra Congregación Preciosas Anónimas. Claudia y Liliana, ambas maestras de profesión, dedican a la actuación, al teatro en general, un lugar muy especial en sus vidas. Esto se refleja en el eficaz y limpio desempeño de ambas en sus roles de Purita (Liliana) y Claudia (Mabel). Lo inexplicable lo constituye la pieza, un ejercicio de actuación que no parece apuntar a otro objetivo. Y funciona. Así el trabajo actoral de ambas, permitió “divertir” en su apropiada duración a la platea.

LAS BRUJAS DE SALEM - MÉXICO
Escuela de Iniciación Artística N° 1 del Instituto Nacional de Bellas Artes INBA
Autor: Arthur Miller
Director: Enrique González

“Atreverse a más”
Alguien dijo por ahí cuando se hablaba de la puesta en escena por este grupo de jovencitos mexicanos que están comenzando, en su iniciación al arte, dijo, digo “Atreverse a más”.
Sí, porque en su gran mayoría los espectáculos presentados tenían como tónica dramática la evasión por la risa. Y esta vez era Arthur Miller, y nada menos que en Las Brujas de Salem.

Y sí era atreverse a más que el director tomara como apoyo una pieza mayor del teatro. Con toda la fuerza que por tradición se atribuye al pueblo mexicano, estas voces de cantantes y bullangueros intérpretes, hicieron que la sala vibrara de emoción. Evidentemente hay mucho que pulir, y refinar, pero la platea que pudo escuchar con plenitud hasta los suspiros de las encantadas y encantadoras “brujas” y también las agrias voces de los inquisidores canallas, agradeció y aplaudió tan patente entrega.

TODAS TENEMOS LA MISMA HISTORIA - PERÚ
Autor Darío Fo y Franca Rame
Dirección Jerry Galarreta
Grupo Sobrescena

Sofía Rebata, es actriz, egresada de la antigua ETUC (Escuela de teatro de la Pontificia Universidad Católica). Ella, tal como lo dijo al final de la función, continúa preparando su trabajo, pues se trata de una gran prueba unipersonal. Actualmente se encuentra desarrollando en Ecuador un periplo para nutrir su experiencia con presentaciones de su trabajo. Encontró en el director Jerry Galarreta, una persona que le tuvo fe para enfrentar con ella el difícil reto de este trabajo de Darío Fo y Franca Rame, de acerva crítica social y cuya segunda parte nos recuerda las misas negras de las épocas medievales en aquellos aquelarres en que se celebraban las Fiestas de los Locos, en las que incluso iglesias, curas y pueblo participaban. Era aquel el momento de dejar escapar del espíritu la fuerza de los vapores de nuestra humanidad que tal como el contenido de los odres pugnaban por escaparse buscando el aire porque ya no era posible soportar el encierro. Así nos hace sentir Sofía cuando nos cuenta la historia de la muñeca.

La apropiada utilización de espacio-movimiento-economía de recursos y la libertad que le deja la dirección, son el mejor apoyo que tiene la actriz para jugar con su voz y realizar la entrega, para que a su vez ella le comunique al público lo que los autores han dejado encomendado. ¡Todo un encargo!

CRUCIGRAMA -MÉXICO
Dirección y adaptación: Georgina Flores
Escuela Nacional de Arte Teatral
Instituto Nacional de Bellas Artes

Ejercicio de curso a partir de la voz.
No se le explicó al público que no se trataba de una “obra”. Era un montaje creado a partir de textos: Falta de Modestia de Griselda Gambaro. Figuraciones de Luisa Josefina Hernández.
Yo también quiero un profeta de Ximena Escalante. Volver a decir mar de Sergio Peregrina.
La culta dama de Ulises Vásquez. La puerta de José Sanchís Sinisterra. Los intérpretes eran los participantes del curso, en vías a ser actores, el desempeño correcto.

Hubo quien encontró “la historia”. La duración fue de casi sesenta minutos, y esta brevedad, como en algunos otros casos, permitió que no se perdiera la atención del público.

SOLA NOTA DE DOLOR OBSTINADO - MÉXICO
Performance Experimental
Autora: Valentina Castro
Dirección: Ruben Herrera

Aquí, como en el caso de Bitácora de Viaje, tenemos a dos compañeros. Gente Mayor que se ha dedicado de por vida al espectáculo. Lo más atractivo en su trabajo es leer, a través de lo que presentan, aquello que NO EXPONEN. Ante todo, vemos a Valentina y Rubén demasiado comprometidos con sus propias historias y todo el tiempo que dura la representación o performance nos quedamos con las ganas de que dejen los tules y los poemas ajenos y nos lleven allí donde está aquello que realmente quisieran ellos y nosotros llegar.

Bien la iluminación de Claudia Mkishi y todo el trabajo de apoyo técnico.

CAFÉ TURCO - ESPAÑA
Autor y Director Rafael Ruiz Alvarez
Aula de Teatro de la Universidad de Granada

Cierre del Encuentro, nostalgia y despedidas.
La última pieza de la jornada entera. Nunca podremos definir cuánto tiene que ver un espectáculo con toda esa energía que surge de la platea.

La luz, la actriz sentadita esperando el momento en la silla de ruedas, la gente que colmaba el teatro de la Universidad no acabando nunca de entrar.
¡Loor al público, por primera vez no sonaron los celulares ni las bolsitas de golosinas!
Alicia Oliveira, nos tenía pendientes de su silencio. Tiene fuerza.

Al director de hecho no pudimos comprenderlo. Era un monólogo quieto, interior, punzante. Sí, tal vez difícil para la noche de las noches. Casi como regla del teatro el mejor consejero del director no es el autor. Anotemos en este caso un detalle: ¿no tuvieron tiempo de hacer un ensayo para calcular la acústica de la sala? Eso porque los finales de texto que eran susurrados se perdían. Y tal como esos finales el movimiento, la utilería, casi diríamos “los detalles” fueron más bien escollos que eso sí, para la actriz fueron una prueba que resolvió con solvencia.

A pedido de mi gentil y en tan poco tiempo ya “querido” colega:
LAS NEUROSIS SEXUALES DE NUESTROS PADRES
Autor: Lukas Barfus
Director: Peky Andino

Alguien me preguntó al concluir la pieza: ¿Te gustó? Le contesté, todavía con miedo, ¡no que va, me rompió los dientes, me hizo comer vidrio molido, todavía me siento mal, me quiero ir, no quiero saludar a nadie ni hacer actos sociales de besitos y saludos, quiero ir a mi cama y salirme del mundo!

El autor es un canalla perverso, pero qué bien lo han “traducido”, qué terrible, ya nosotros tenemos bastante con nuestras neurosis subdesarrolladas para que nos enfrenten así sin compasión a lo que nos están preparando. Aquí la gente que me atiende en la posada todavía dice ¡Buenos días! y se alegra de verme llegar al desayuno.

La dirección me dolió, no nos ahorra nada.
La actuación me llevaba a pedirles ¡paren, paren!

Me acordé del título de una pieza que vi anunciada en Londres, hace tantísimo tiempo: ¡Detengan el mundo que quiero bajarme! Sinceramente conmovida, ¡esa niñita, esa niñita éramos todas, y todos! ¡Uy! No me atrevo siquiera a preguntarme si lo que deseo decirles es ¡muchas gracias! ¡Cambiemos todo, quebremos las carabelas, digámosle a Einstein oye qué hiciste! ¿Adónde nos estamos llevando?

Crónica para una aproximación a la crítica teatral

Como parte de la experiencia vivida en la república del Ecuador, durante el II Encuentro Internacional de Maestros y Escuelas de Teatro, se encuentran quiénes como yo fuimos invitados a ver y a aprender con los maestros. Me correspondió como integrante de la delegación venezolana, participar en el Taller de Crítica Teatral impartido por la escritora peruana Sara Joffré, en el cual debí realizar este ejercicio de crítica sobre una obra de las que fueron mostradas en el Teatro de la Facultad de Artes de la Universidad Central del Ecuador, institución que realiza el evento bajo la coordinación del apreciado Jorge Mateus, incansable organizador y atento anfitrión.

Hemos visto algunas representaciones de los diversos grupos de México [1] , Colombia, Ecuador y Perú, pero aún no aspiro a opinar sobre su trabajo, que fue realizado con toda responsabilidad y esfuerzo al venir a otro país sin sus dispositivos escenográficos auténticos. Hemos visto la improvisación de “escenografías” que debilitan la concepción de las puestas y su planteamiento estético, lo cual afecta a los actores, que han trabajado con un talento innegable y extraordinario, permitiéndonos saber que tiene un futuro prometedor el Teatro Latinoamericano. Aún así, con el sentido de hacer una observación general, aprecio que los directores de grupo, con algunas excepciones, siguen justificando sus inconsistencias estéticas en la concepción de las puestas con la argucia de que se trata de estudiantes que no han logrado aún su nivel superior de actores profesionales por encontrarse en proceso de formación.

Por lo anterior, me permitiré formular algunas interrogantes: ¿cómo se perciben mejor los logros actorales, los resultados de la dirección escénica? ¿Cómo se puede evaluar la escogencia de los textos y formatos de propuesta dramatúrgica en los diversos espectáculos o muestras?

El Teatro Universitario realizado por Escuelas y Facultades de Arte y Teatro, debe ofrecer mejores productos teatrales en un óptimo nivel estético, y de eso deben encargarse los directores, ya que en sus manos está el timón de toda creación del colectivo teatral. Inclusive debe ser de mayor calidad que cualquier grupo o compañía privada de teatro profesional, si estamos hablando de los maestros del recinto universitario, de los estudios superiores de las artes, por eso me permito exigirles que también ellos se exijan siempre más, tanto como lo hacen con sus alumnos o actores en formación, sin escudarse en la frase: ¡Esto es algo experimental!

En el mismo orden he decidido hablar sobre una obra teatral en específico, denominada PAREJA ABIERTA, escrita por Dario Fo y Franca Rame, dirigida por Gregorio Milano, joven director venezolano, residente actualmente de la ciudad de Barquisimeto-Estado Lara, ciudad de donde vengo, razón por la que me siento estrechamente comprometido y valientemente “atrevido, a dar una opinión sobre este trabajo del Teatro Profesional de Lara (TPL). Lo hago desde mi condición de actor y director teatral, ahora encargado de dirigir el Teatro Juares, como sala principal de mi ciudad. Admito que se trata del trabajo teatral que más conozco entre los participantes de este Encuentro Internacional, por razones obvias, más no por eso dejaré de ser objetivo.

En Pareja Abierta asistimos a una comedia contemporánea muy bien escrita por dos comediantes inteligentes, recreada por los dos actores venezolanos, Nelson Pérez, quien hace de Pío Antonini (El Marido) y Mary Carmen Briceño quien interpreta a Antonia Mambreti (La esposa), en representación realizada ante una amplia asistencia de público, en su mayoría jóvenes, valga el reconocimiento a la convocatoria que este Encuentro alcanza en todas las funciones [2] , donde concurren estudiantes de la referida Universidad ecuatoriana, invitados y delegaciones, aunque resulta curiosa la ausencia de las autoridades universitarias.

Sobre el espectáculo pudimos apreciar, el logro armónico de una obertura donde la escenografía expresa que nos encontramos en una habitación modesta y ambientada totalmente blanca sobre el aforo negro, dos puertas a los lados, contrapuestas y un ventanal de centro enmarcado con pocos objetos, todo colocado en forma simétrica que se percibe arbitraria, inspirando un diseño que además semeja una agradable búsqueda de la perfección en el tratamiento del espacio escénico, no en el sentido naturalista, sino con cierto onirismo. Los actores desde el inicio nos van revelando la utilidad de cada objeto y el sentido práctico de la escenografía, los efectos que se logran con los diversos lenguajes integrativos del teatro: iluminación, musicalización y sonidos grabados, narran con ellos, cada parte de la historia, en forma tradicional, sin mayores ni extraordinarias innovaciones, pero de efectos precisos y funcionales en torno a la temática y el argumento bien preservado y escenificado desde el primer parlamento.

La obra nos traslada al estilo brechtiano a un conflicto íntimo de pareja, con vigencia profunda, cuando el marido propone a su esposa, que está detrás de la puerta encerrada en un baño tratando de envenenarse con múltiples medicamentos, que entienda su mundo promiscuo sin sufrir innecesariamente, ella trata de suicidarse porque lo ama, pero él siempre evita que ella consume el suicidio, bien sea rescatándola de la ventana, forcejeo con una pistola y lavados estomacales [...]. Aquella ironía nos va sorprendiendo en el mejor de los sentidos, ya que resulta cómico y absurdo el planteamiento que pienso debe generar profundas reflexiones sobre la concepción machista de las relaciones de pareja en la actualidad.

Los actores son profesionales y grandemente talentosos, logran llevar la expresión oral y gestual con una seriedad que genera risa inevitable en todas las edades que se encuentran en el público, Nelson y Mary Carmen nos sorprenden cada vez que se suben al escenario, con permanentes creaciones enriquecidas por la platea y la transposición que logran con el extrañamiento dinámico que realizan para el público [...]

Como dice Sara, en un comentario desprendido y objetivo realizado en el taller de Crítica Teatral, aún faltaría mayor definición de las edades de los personajes para aumentar la comicidad y la justificación de los devaneos. Así se superarían algunas reiteraciones del texto y expresiones dramatizadas de ciertas escenas que antes generaron distracción y pesadez en el público [...]
Pienso que el comentario de Sara, que sugirió que los actores fueran más ellos, sin dejar de caracterizar edades más adultas, llevó a ciertas mejoras en la interpretación actoral durante la segunda función de la obra, realizada en la sala de teatro Demetrio Aguilera de la Casa de la Cultura de Quito el 31 de marzo (evento organizado por la Embajada de Venezuela en Ecuador).

Finalmente, las opiniones de Sara y de mis compañeros de Taller reafirman la vigencia de la Crítica Teatral en todo contexto. La crítica ayuda a mejorar el hecho teatral y contribuye con el espectador, dándole las herramientas para una mejor apreciación del producto artístico teatral en una sociedad determinada y en las diversas culturas que habitamos el planeta tierra.

EN RESUMEN

Me pareció útil y provechoso repartir entre mis talleristas la responsabilidad de las crónicas y las críticas. Aquí están publicados los que cumplieron. Sería toda una tarea crítica que cada uno de los mencionados en esta publicación nos evaluara también. Porque si hay algo que en el teatro casi se ha abandonado es el ejercicio del análisis polémico y efectivo.

Durante el desarrollo del Taller fue sencillo evidenciar quiénes ya tenían interés por el oficio. Una señal es el sólo hecho de escoger el taller y realizar trabajos de lectura y escritura mientras el mundo “encuentrero” bullía alrededor y ya los clasificaba. Por otro lado, todos pertenecen al teatro en alguna de las calidades en que se ha intervenido en este Encuentro: maestro, alumno, actor, actriz, director, autor, crítico, estudiante: teatrista en definitiva.

Jorge Miyagui: Arte, política y nueva radicalidad Entrevista por: Arturo Quispe Lázaro y Juan Tokeshi

Sara Joffré y algunas voces jóvenes
Sara Joffré

Tres cuentos cortos
Walter Melgar

El Mero Macho de Miami
Jorge "Cucho" Sarmiento

3 poemas
Willy Gomez

Marita Troiano
Presentación

Mexicanos en Nuevo York
Gabriela Zamorano, Tepeyac